El arte contemporáneo abarca las formas de arte de nuestra era, producidas e interpretadas como un reflejo de la sociedad actual, es decir, originadas a partir del siglo XX. Sin embargo, es importante entender que se trata de un concepto difícil de acotar y cuyos límites varían enormemente dependiendo de a quién se le consulte, a punto tal que para muchos no existe realmente una distinción entre arte moderno y arte contemporáneo.

Esta dificultad para definir el arte contemporáneo tiene que ver con la misma palabra «contemporáneo», que hace alusión a un presente muy difícil de fijar en la línea de tiempo de la historia, y también se debe al hecho de que en el campo de las artes se utiliza una periodización propia, que no siempre coincide con la empleada por los historiadores.

Así, para algunos lo moderno es propio del siglo XIX y primera mitad del XX, dejando lo contemporáneo para finales del XX e inicios del XXI. Pero no existe consenso al respecto, pues en el fondo se trata de delimitaciones estéticas y no cronológicas.

El arte contemporáneo, entonces, tendría que definirse a partir de ciertos rasgos estéticos y ciertas preocupaciones filosóficas, muchas de las cuales, sin embargo, ya estaban presentes en el arte moderno, o al menos en el período de mediados y finales del siglo XIX. Por eso algunos prefieren incluso utilizar el término “postmoderno” para referirse a lo estrictamente contemporáneo.

En todo caso, el arte contemporáneo es una categoría amplia y complicada que engloba las manifestaciones artísticas y los estilos artísticos más recientes de la humanidad, y es propio de la sociedad industrial y postindustrial (o digital).

Tanto la sociedad a la cual refleja como este arte han presentado grandes cambios respecto de las etapas históricas anteriores, que apuntan a una continua y sostenida exploración de ciertas preguntas fundamentales, como ¿qué cosa es el arte?

A muy grandes rasgos, podríamos atribuirle al arte contemporáneo las siguientes características:

Según algunas clasificaciones, abarca las tendencias artísticas desde inicios del siglo XX hasta hoy. Otras, en cambio, consideran como contemporáneas sólo las posteriores a 1960.
La experimentación y lo nuevo son un valor en sí mismo, sobre todo en lo que a nuevas técnicas y nuevos materiales se refiere, lo cual incluye hacia finales del siglo XX la aparición del arte digital y el aprovechamiento de las nuevas tecnologías.
Se resignifican muchos de los elementos centrales de la tradición artística, a menudo de manera irónica.

Se abandona lo figurativo y se abraza la abstracción, la figura geométrica, la línea y el caos como métodos expresivos posibles.
La reflexión sobre la naturaleza del arte y del artista es constante, y eso abarca también los espacios de legitimación como museos, instituciones, etc.
Se cruzan las fronteras entre géneros, apuntando a un arte híbrido, mestizo, indeterminado.

En parte debido a lo problemática de su delimitación conceptual, no es sencillo saber qué escuela o estilo es o no arte contemporáneo o arte moderno, y la lista puede variar significativamente entre un libro y otro. Sin embargo, algunos de los estilos contemporáneos más conocidos son:

• Fauvismo o Fovismo. Fue un movimiento pictórico originado en Francia entre 1904 y 1908, cuyo nombre responde a la voz francesa fauve, “fiero”. Ello hacía alusión a la paleta de colores tan provocativa de sus pintores, que rompía con lo acostumbrado y se atrevía a incursionar en tonos poco fieles a lo real. Se considera a Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) y Maurice de Vlaminck (1876-1958) como sus fundadores y autores más importantes.
• Cubismo. El cubismo surgió en Europa entre 1907 y 1924, y se considera una tendencia fundacional, de vital importancia para el surgimiento de las vanguardias del siglo XX. Consistió en una verdadera ruptura con la pintura tradicional, que se atrevió a romper con la perspectiva realista, inaugurando en cambio una perspectiva propia, subjetiva, de las cosas. Los padres del cubismo fueron Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), pero a ellos se sumaron otros grandes pintores europeos de la época, así como el poeta y crítico de arte francés Guillaume Apollinaire (1880-1918).
• Dadaísmo. Surgido en 1916 en el cabaret Voltaire de Zurich, fue un movimiento artístico de carácter burlesco y contestatario, que se opuso al arte burgués y al positivismo imperante en la época. Obra del poeta rumano Tristan Tzara (1896-1963) y el poeta alemán Hugo Ball (1886-1927), tomó su nombre del balbuceo infantil (da-dá) porque valoraba las sucesiones de sonidos sin sentido aparente, como una manera de romper con la obligación de “decir algo”. Esa actitud luego fue heredada en otros géneros por los seguidores del movimiento, como en la escultura y la pintura.
• Surrealismo. Uno de los grandes movimientos culturales de la Europa del siglo XX, cuyo precepto fundamental era alejarse de la razón y de la objetividad para abordar el mundo del inconsciente freudiano: los sueños, las alucinaciones y las fantasías. El movimiento surrealista comenzó formalmente cuando el poeta francés André Bretón (1896-1966) publicó en 1924 el Manifiesto surrealista en París, ciudad que fue el eje del movimiento en su expansión por el mundo entero, incursionando en pintura, escultura, literatura e incluso el cine.
• El movimiento contó con numerosísimos seguidores de distintas nacionalidades, entre los que destacaron el propio Bretón, Salvador Dalí (1904-1989), René Magritte (1898-1967), Marcel Duchamp (1887-1968), Jean Arp (1887-1966), Luis Buñuel (1900-1983), entre muchos otros.
• Expresionismo. Otro de los grandes movimientos artísticos del siglo XX, nacido a inicios de siglo en Alemania, al mismo tiempo que el fauvismo francés. Su campo inicial fue la pintura, pero luego se extendió por otras artes como la literatura, la escultura, la música, la danza, el teatro y el cine, siempre bajo la premisa de oponerse al impresionismo y a su concepción racional, objetiva, del arte. El expresionismo valoraba la interioridad del artista ante todo, y deformaba la realidad en la obra para adaptarla a la expresión de esa subjetividad, a menudo a través de escenarios oníricos, desolados y de cierta amargura, propios del período de la Alemania prebélica. No se trató, sin embargo, de un movimiento homogéneo, así que sus rasgos estilísticos mutaron mucho a lo largo del tiempo, aunque se conservó su premisa filosófica. Algunos de sus típicos exponentes fueron los pintores Evard Munch (1863-1944), Vasili Kandinski (1866-1944), Paul Klee (1879-1940), Egon Schiele (1890-1918), Amedeo Modigliani (1884-1920) y Marc Chagall (1887-1985), junto a escritores como Franz Kafka (1883-1924) y Bertoldt Brecht (1898-1956), o músicos como Arnold Schönberg (1874-1951), por citar sólo algunos.
• Expresionismo abstracto. Movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en los años de 1940, fruto de la migración de muchos artistas surrealistas europeos al nuevo continente. Abandonando el figurativismo a favor de la abstracción, este movimiento empleó colores primarios y un enfoque minimalista, a la vez que trazos violentos. Sus inicios estuvieron muy marcados por su herencia europea, de la mano de su pionero el armenio Arshile Gorky (1904-1948), exiliado en Nueva York, pero pronto se convirtió en el primer movimiento propiamente estadounidense dentro de la pintura abstracta, cuyos máximos exponentes son los célebres Jackson Pollock (1912-1956) o Mark Rothko (1903-1970).
• Pop art. El “arte pop” nació como una reacción al expresionismo abstracto y una continuación no irónica y menos destructiva del movimiento dadá. Sus inicios tuvieron lugar en 1950 en el Reino Unido y a comienzos de 1960 en los Estados Unidos, y su postulado esencial era la reunificación de arte y vida, a través del enfriamiento de las emociones. Para ello, acudió a la superficialidad aparente de la cultura de masas, y a los diseños repetidos, de línea bien definida, así como a la representación y utilización de objetos de consumo cotidiano, como las famosas latas de sopa Campbell de Andy Warhol (1928-1987), quizá su exponente más conocido. Fue un movimiento cercano a la publicidad y hasta cierto punto eufórico, que se considera hoy propio del auge del capitalismo en Occidente durante la Guerra Fría. Otros nombres importantes fueron los de Robert Rauschenberg (1925-2008) y Roy Lichtenstein (1923-1997).
• Arte cinético. Como su nombre lo indica, el arte cinético intenta incorporar el movimiento a la obra de arte, como en pinturas y sobre todo esculturas. Este movimiento puede ser real (mecánico, eléctrico, magnético, por viento, etc.) o figurado, y puede o no contar con la participación del espectador, a través del accionar de un interruptor o de penetrar en la obra misma. La mayoría de sus obras, de hecho, eran tridimensionales, y se produjeron entre las décadas de 1960 y 1970, teniendo como epicentro París y los Estados Unidos. Hubo importantes representantes latinoamericanos en esta vertiente artística, como el argentino Julio Leparc (1928-) o los venezolanos Jesús Soto (1923-2005) y Carlos Cruz Diez (1923-2019).
• Arte conceptual. El arte conceptual se debe entender como una propuesta artística en la que la idea o el concepto es mucho más importante que la obra misma, al menos en tanto objeto físico o material. Así, el arte se reduce a la expresión de lo mental indiferente a la técnica, sin necesidad de un soporte físico duradero, más allá del texto y la fotografía. Surgió en los años de 1960 en Estados Unidos y el Reino Unido, pero tuvo importantes representantes europeos, como el grupo alemán FLUXUS, o la japonesa Yoko Ono (1933-). En este movimiento tienen cabida desde performances y formas del arte efímero, hasta instalaciones, esculturas y grabaciones audiovisuales.

Arte moderno

Como hemos dicho antes, la distinción entre el arte moderno y el arte contemporáneo es siempre problemática, a punto de que para algunos autores ni siquiera existe.

Los dos términos suelen usarse de manera indistinta, o a veces estableciendo divisiones más o menos arbitrarias a partir de la mitad del siglo XX, dejando lo moderno como aquello que abarca desde finales del siglo XV hasta finales del XVIII, o también desde finales del siglo XVIII hasta mediados del XX. No existe un criterio único en la materia.

En todo caso, el arte moderno se considera una ruptura importante respecto de la tradición heredada del medioevo occidental, alejándose de la imitación de la naturaleza y del figurativismo para emprender caminos más abstractos y retadores, reinventando la perspectiva y el punto de vista, además de incorporar nuevas técnicas y nuevos materiales que trajo consigo la Revolución Industrial.

Fuente: Concepto